The Reflecting Pool: Bill Viola

El mundo de Bill Viola se detiene. Esta es la primera impresión y nuestros ojos no están plenamente inmersos en lo que está sucediendo en la pantalla. Viola como protagonista de su propia obra de arte se desprende de una densa hoja en el bosque en un claro en el primer plano, que, para el observador, es llenado por un lago artificial o alberca. El borde inferior de la imagen está rodeada por agua, sólo el banco frente a la opuesta del bosque, rodeado de piedra natural y la hierba, sigue siendo visible. Como el ruido del motor de un avión poco a poco se desvanece en el fondo, Viola se acerca al borde de la piscina. Allí, él se quita sus zapatos y se agacha a gritar y se prepara para dar un salto de gran alcance. Sin embargo, inmediatamente después de él salta para arriba, en ese fragmento de segundo que debería haber precedido a una inmersión en el ruido "que refleja" la piscina, algo inesperado sucede. Su cuerpo se congela en el aire y hace una pausa en la posición fetal sobre la superficie del agua. A medida que la zumba cámara, el tiempo parece haberse detenido. 

Migration: Bill Viola

Migration es un análisis de una imagen, un ejercicio metafórico en la percepción y la representación, la ilusión y la realidad, el microcosmos y el macrocosmos, la naturaleza y la conciencia. Viola escribe que esta obra es "un continuo viaje lento a través de los cambios de escala, marcada por el sonido de un gong. La pieza se refiere a la naturaleza de los detalles de una imagen. En términos visuales, esto se conoce como" la agudeza y se relaciona con el número de fotorreceptores en una superficie determinada de la retina. En términos televisivos, detalle que se conoce como resolución, y es una medida del número de elementos de imagen en una determinada dirección horizontal o vertical de la imagen de vídeo . La realidad, a diferencia de la imagen en la retina o en el tubo de la televisión, es infinitamente resoluble "resolución" y "agudeza" son sólo las propiedades de las imágenes. La pieza se convierte en una exploración de las propiedades ópticas de una gota de agua, revelando en es una imagen de la persona y una sugerencia de la naturaleza transitoria del mundo que posee en su interior. 

Adjourd'Hui: Pipilotti Rist

Una mujer que camina en la gravedad cero, flotando en un espacio real y contemporáneo como un sonámbulo.En la cara del soñador despierto figuras humanas incrustadas tantos pensamientos proyectados desde otro mundo, una especie de paraíso mediados de infantil, medio erótica. 

Removed: Naomi Uman

En Removed, Naomi Uman borra físicamente el cuerpo femenino de 16 mm de edad porno con esmalte de uñas y removedor de cloro de uso doméstico. Este ataque magnífico de la belleza y el producto interno en los resultados de celuloide en una serie de dibujos animados en blanco 'agujeros' orgásmicamente retorciéndose en el lugar de las estrellas porno. Los hombres miradas lascivas son capturados en diferentes poses y la inadecuada pistas de diálogo originales permanecen, con intercambios mal doblada. El agujero en la película se convierte en una zona erótica, un blanco en la que un cuerpo se proyecta la fantasía. Este trabajo es inusualmente brillante precisión: es políticamente subversivo, la pornografía por derecho propio, atrevido y divertido en extremo.

Wonder Woman: Dara Birnbaum

Estallidos explosivos de fuego abierto, una deconstrucción de la ideología incendiarias incrustado en forma de la televisión y la iconografía cultural pop. Apropiándose de imágenes de la década de 1970 serie de televisión Wonder Woman, Birnbaum aislados y repite el momento de la verdadera "mujer simbólica transformación" en el super-héroe. Atrapado en su metamorfosis mágica por la tartamudez Birnbaum ediciones, la Mujer Maravilla gira vertiginosamente como una muñeca de caja de música. A través de la manipulación radical de esta mujer icono del Pop, ella subvierte su significado en el texto televisivo. Detener el flujo de imágenes a través de la fragmentación y la repetición, Birnbaum condensa la narración del cómic de Wonder Woman desvía las balas de sus pulseras, "recortes" en la garganta una sala de espejos destilando su esencia para que el subtexto a emerger. En una deconstrucción textual más, que se indican las palabras de la canción Wonder Woman in Disco Land en la pantalla. La canción de doble sentido revelar la fuente de empoderamiento sexual supone la supermujer: "Shake your Wonder maker". Escribir sobre el tartamudeo paso de progresión "de" momentos extendido de transformación de Wonder Woman, afirma Birnbaum, "La narración abreviada  correr, girar, salvar a un hombre  permite que el tema de fondo a la superficie: la transformación psicológica en comparación con producciones de televisión. 

Mayhem: Abigail Child

Mayhem,1987, con 20 minutos, algunas de las obras de un mismo territorio, pero añade trozos de cine negro de imágenes de su historia secreta de los crímenes inexplicables. Niño seduce al espectador con la cruda en blanco y negro imágenes, una vez más rápidamente se entrecorta con toda clase de extrañas imágenes de gente corriendo frenéticamente hacia arriba y abajo de las escaleras o la elaboración de un tejado. Japoneses-core porno duro de lo que parece ser la década de 1930 se suma a la diversión fragmentada, como un desnudo lesbianas cita es interrumpida por un hombre enmascarado. Es significativo que una simple fantasía sexual masculina se volcó en los diques vigor el enmascarado para hacer frente a ellos. Al parecer, inspirado en el dúo de la embriagadora marques de Sade y de Rusia formalista cineasta Dziga Vertov, Mayhem tiene un estilo de edición de escopeta que las lluvias sobre el espectador como si fueran confeti.

Perils: Abigail Child

El negro y blanco corto experimental, Perils,  todo es un esfuerzo típica, con la participación del espectador con una parodia del cine mudo vertiginoso que muestra a sus personajes en una variedad de poses y portentosa melodramas fragmentado. Yuxtaposiciones del niño en este trabajo realizado entre 1985 y 1987 son más caprichosos que preocupante, con las peleas de burlarse rápida de corte y los rituales misteriosos interrumpido brevemente por títulos simples, del tipo en el cine mudo . Su uso del sonido es tremendamente incluyente y un reto constante, incorporando todo, desde figuras piano fugitivo al drama-queen gritos de superposición y la adición de una capa de significado con placer desorientador.

Video Letter: Shuji Terayama y Shuntaro Tanikawa

Video Letter es una historia sobre un cambio, sobre un pasaje entre la identidad y la imagen, entre la pantalla (el título de vídeo en el título pone de relieve) y su biografía. Entre 1982 y 1983 Decidió Terayana Tanikawa e intercambiar algunas letras visual. Grabaron algunos videos privados en los que compiló imágenes personales, recuerdos, palabras, recortes de periódico, notas y pequeños cuadros (fotos Polaroid y fotos), ambos como emisor y el receptor a veces diferencial. No hay reglas en esta dramática ambio exc. Sus cartas de vídeo son parte de su vida cotidiana como los gestos cotidianos; de vídeo cartas tesis son extraídos de su conciencia, son fragmentos de imágenes y realidades que, una vez unidos, forman una pirámide cuya identidad o en el pico es fugaz, soberano de vídeo. La conclusión de este cambio coincide con la muerte de Terayana. Que a partir de entonces, comenzó Tanikawa corregir la edición de tesis o "letras". Él hizo algunos cambios en la banda sonora y cerró el círculo que se vio favorecido con el envío de los primeros video muy.

Corridor: Standish Lawder

A los 20 minutos, Corridor de 1970 es compleja película más larga y Lawder, teniendo comparación con otros estudios trippy de su época.  Herido de bala en negro y granulada blanco, la película cuenta con una serie de pistas inestable y zooms por un pasillo estrecho (habitado de forma intermitente por la aparición de un desnudo-hippie chick) que se basa en una serie vertiginosa de superposiciones y reimpresión, que a su vez se basa en el parpadeo campos blanco y negro, todos los la vez que interactúan con el compositor Terry Riley. Lawder ha llamado Corridor de una ocasión para la especulación meditativa que invoca un cambio en la actividad de ondas cerebrales... A través de la estimulación de la onda de las frecuencias de interfaz-alfa.

Necrology: Standish Lawder

Necrology de Standish es una película que parece ser una cosa, relativamente simple y directo, sólo se revela como algo completamente distinto en el momento en que normalmente se asume que la película fuera más. Se trata de un seguimiento prolongado derribado una escalera sin fin, supuestamente tomadas con un espejo montado encima de la escalera mecánica. La cinematografía es granulada en blanco y negro, de modo que a medida que las personas aparecen en la parte inferior del marco y mueva lentamente hacia la parte superior, se desintegran en la oscuridad, tragado por la oscuridad. Muchas de las personas son simplemente mirando al frente a la cámara o sin expresión en el espacio. Otros se dedican a la conversación, riendo, bostezando, leyendo periódicos, hurgarse la nariz, ajustando su pelo, jugueteando con tazas de café y otros accesorios. pares Lawder estas imágenes sin expresión con la música clásica de barrido, por lo que el efecto global es equilibrado en algún lugar entre lo mundano extrema y una clase de espiritualidad, como si se trata de una escalera principal entre los estados de existencia (hacia el Cielo? infierno?) o algo similar de cola. La impresión de que la gente en las gradas se están derritiendo en la oscuridad en la parte superior del marco sólo aumenta esta sensación de misterio, uno ve este desfile de personas, de las almas, y se pregunta qué esta imagen simple se supone representa, lo que significa , donde se lleva. 

Good Morning Mr.Orwell: Nam June Paik

En 1984, la novela que escribió en 1948, George Orwell ve la televisión del futuro como instrumento de control en manos de Big Brother en un estado totalitario. Justo en el comienzo del año orwelliano muy esperado, Paik estaba interesado en demostrar la capacidad de la televisión por satélite para servir a fines positivos, como el intercambio intercontinental de la cultura que incluye tanto la culta y elementos de entretenimiento. Una transmisión en vivo para compartir entre WNET TV en Nueva York y el Centro Pompidou de París y conectar con los organismos de radiodifusión en Alemania y Corea del Sur alcanzó una audiencia mundial de más de 10 o incluso (incluyendo las transmisiones de repetir más tarde) 25 millones de euros. La emisión prorrogados cinta de vídeo de Paik "uno de los primeros Mundial Grove de 1973 , el concepto pionero dirigido a la comprensión internacional a través del vehículo de la televisión - al ampliar el concepto con las posibilidades de transmisión por satélite en tiempo real. Aunque a veces abundantes problemas técnicos prestados los resultados impredecibles, Paik considerado que este no hizo sino aumentar el "vivo" el estado de ánimo. La mezcla de la corriente principal de televisión y las artes de vanguardia era un acto de equilibrio típico de Paik y se reunió con más recelo de los espectadores orientado última generación que la audiencia Paik denominado «el peiple jóvenes, medios de comunicación concebidos, que juegan 20 canales de Nueva York estaciones de televisión como teclas del piano. El artista personalmente invertido una gran suma en el proyecto para hacer realidad su visión. Al preguntársele qué le diría a San Pedro a las puertas del Reino de los Cielos, Paik inmediatamente respondió que este show en vivo fue su contribución directa a la supervivencia humana y él me dejó entrar. 

Merce By Merce: Nam June Paik

En Merce y Merce, Paik yShigeko Kubota crear una densa textura, collage transcultural que rinde homenaje a los artistas del mismo nombre de abordar la relación entre arte y vida. Paik y el arte Kubota enlace a los movimientos y gestos de lo cotidiano: "¿Es este baile?" lee el texto a través de una vista aérea de taxis circulando por las calles de Nueva York, y la imagen de los primeros pasos vacilantes de un bebé. Una inusual entrevista con Duchamp por Russell Connor es re-editado por Paik en una progresión rápida, tartamudean a paso. En una ingeniosa capas temporales que los términos Paik una "danza de tiempo", una entrevista con Cunningham, también de Connor, se intercalan y se superponen con la entrevista a principios de Duchamp: "El tiempo reversible - irreversible tiempo".

Global Groove: Nam June Paik

Esta es una visión de un paisaje de vídeo de mañana cuando se pueda cambiar en cualquier estación de televisión en la tierra y las guías de televisión será tan gordo como la guía telefónica de Manhattan.declaración introductoria Paik significa principio de composición de la cinta y el mensaje - canal global de zapping, en 1973, un precursor visionario de los acontecimientos posteriores. El espíritu de la cinta transmite la teoría de Marshall McLuhan de una futura «aldea global», que Paik emparejado con una idea de la suya: «Si pudiéramos elaborar un festival de televisión semanales compuesto de música y danza de todos los condados, y lo distribuyó gratis ronda de carga del mundo a través del mercado de vídeo común propuesto, tendría un efecto extraordinario en la educación y el entretenimiento. " Una típica mezcla de Paik, la cinta incluye extractos de programas de televisión, las contribuciones de amigos artistas como John Cage, Allen Ginsberg, Charlotte Moorman y Karlheinz Stockhausen, imágenes de artistas de video como Jud Yalkut y Robert Breer, y extractos de videos anteriores Paik. La combinación de los medios de comunicación de masas y de vanguardia, estaba dirigido a los amantes del arte y «normal» televidentes por igual. El video fue transmitido por WNET-TV el 30 de enero de 1974.

Propuesta Para Proyecto

Quiero hacer algo completamente audio-visual, entonces quiero explorar el tema del sinestesia. En donde lo que escuchas es lo que vez también. Va ser por medio de colores que me inspire para hacer algo de música o hago la música primero y después los colores. 

Ejercicio De Imagen

La imagen que escogi es La Muerte De Marat de David. David fue un pintor neo-clasico y casi todas sus pinturas son muy politicas. Esta pintura depicita la muerte de Marat mientras se bañaba. Marat tenia una condicion de piel que le daba una comezon muy violenta que la unica manera de aliviarse era estar constantemente en el baño. Un dia, mientras que escribia, tiene una visita que es Charlotte Corday y lo apuñala. La pintura se convierte en la pintura mas importante de la revolucion.

Esta pintura para mi es una obra maestra por la que representa y lo que llego a representar en su tiempo. Despues de ver esta pintura por uno minutos notas lo obvio dentro la escena, vemos a Marat muerto con una carta en mano, el cuchillo en el piso, esta enrollado en paños para refrescar su piel, y que esta firmado A Marta por David. Despues de un rato empiezas a nota la composicion un poco mas. Porque esta a la mitad del cuadro el sujeto y tenemos la otra mitad en negro y la luz que le pega a la oscuridad. Tambien la luz notas por donde entra, parece que hay una ventana atras que lo ilumina y vez la sombra en su cuerpo y su carta. Ya despues de mucho tiempo entiendes que esta imagen lo esta martirizando tal cual como un critiano. La luz es suave, no se ve muy violento, hasta sientes que acaba de dar su ultimo suspiro, y nunca soltara su pulma y carta. El estilo de David es idealizar la muerte de Marat tambien te das cuenta que no tiene su enfermeda de la piel. Si es tal cual un heroe de la revolucion. 

Ken Russell: The Devils

Es una película que no es fácil de olvidar. También es una película muy polémica porque te gusta mucho o la odias por varias razones, pero no te da igual. Si te provoca de muchas maneras ya se por la religión, sexo, violencia, y absurdo. Me llamo la atención que algunos de mis compañeros se salieron de la película.

La dirección, las actuaciones, y el diseño de arte son realmente magnificas en esta película. Ken Russell tiene una visión muy particular. Yo también creo que hay muchas perversiones dentro el Catolicismo y Ken Russell los señala muy bien. 

Peter Watkins: Punishment Park

La primera vez que vi Punishment Park yo si creí que todo fue real. Como pensé que era un documental, sin la noción que hay fake-documentary, pues realmente estaba sufriendo. No podía creer lo que veía. Además, con todo lo que estaba pasando en los 70's pues también si se veía creíble. Para mi si fue la primera vez que el cine puede ser hiper real porque ahora ya me doy cuenta de todos los "trucos", pero esta muy bien construida. 

Hollis Frampton: Critical Mass

Frampton logra una gran tensión con la repetición progresiva de un pleito amoroso de un hombre y una mujer. La tensión viene de dos: La narrativa y la repetición. La narrativa es que ellos dos están gritan y enojados. La repetición es progresiva lo cual vamos decifrando poco a poco lo que esta pasando. También es una temporalidad frustrada que avanza se regresa un poco, avanza un poco mas que la otra vez, y se regresa un poco menos que la otra vez. 

Hollis Frampton: Maxwell's Demon

Leí este pequeño fragmento de Frampton sobre Maxwell´s Demon: "I wanted to do something - to put it as sentimentally as possible - for James Clerk Maxwell who is, or was, either the last qualitative physicist or the first quantitative physicist. Maxwell is known and admired among physicists for his work in thermodynamics, which is something I don't know or understand very much about. I believe we're all steeped in thermodynamics in the physical sense; but I have particularly revered Clerk Maxwell because he became, in a very brief aside in a lecture delivered at the Royal College of Edinburgh or some place like that, the Father of the Analytical theory of color, which, in it's applications and ramifications, has given us color photography and color cinematography."Creo que es las posibilidades que se pueden lograr con el color. Puedes experimentar mucho mas que el blanco y negro que lo pone muy rígido. El color es el demonio que creo Maxwell.  

Hollis Frampton: Lemon

Lemon es un cortometraje con la noción de la luz. Exactamente porque escogió un limón siento que fue arbitrario. No hay nada dentro el corto que muestre que es necesario que sea un limón. Pero, muy gusta como la luz se mueve alrededor del limón como el sol y la luna. En términos visuales un objeto no existe si la luz no lo ilumina y como puedes definir un objeto con la luz. 

Ken Jacobs: Star Spangled To Death

Star Spangled To Death es un documental de material apropiado(la mayoría del documental) que dura aproximadamente seis horas. No alcance a ver todo el documental, pero de lo que vi entiendo lo que Ken Jacobs critica sobre Estados Unidos. Es un país que llega a colonizar y lavar las mentes de sus ciudadandos. Lo mas en favor de este documental es como escogió el material apropiado. Se entiende la critica. Lo que no me gusto del documental fue los sonidos incidentales que mete para hacer reír. Siento que se escuchan muy pobres y no vienen al caso y algunos inserts que pone pienso lo mismo. Tampoco me gusto lo que filmo en los callejones en Nueva York. Estos performances que para mi simplemente me sacaban de lo que criticaba con el material apropiado. Repito que no vi todo el documental, pero siento que si no sale de el ritmo o la idea de las primeras dos horas no hay caso de verlo. Yo la verdad con lo que vi tengo.  

Stan Brakhage:Conmingled Containers

Conmingled Containers es el enfoque a la refracción de la luz. Aveces estas imágenes se ven fuera de este mundo, entonces les buscamos una lectura. Aquí aveces la imagen te lee a ti porque tu no sabes que es lo que ves. Los fuera de foco son muy bellos y eso es lo que le da calidad a las imágenes que vemos.  

Stan Brakhage:Black Ice

Black Ice es una animación que realmente sí parece que son cristales de verdad. Los azules profundos, los violetas son colores realmente hermosos. Es una lluvia de hielo probablemente en vez de cristales. Lo que es mas sorprendente, y no entiendo como lo logro, es la ilusión de profundidad que hay en el corto. También parece que uno se van moviendo dentro una cueva de hielo.

Stan Brakhage: Window Water Baby Moving

Window Water Baby Moving es un cortometraje en que Brakhage le da importancia a estos tres elementos que están en movimiento; aunque algunos piensen que la venta no se mueve el vidrio en realidad es un liquido que si se mueve pero demasiado lento. La luz que entra por la ventana, que cae en el agua, que se refleja en el bebe (bueno en el vientre de la mujer). La edición es la mas interesante en el cortometraje. Brakhage da secuencias sin algún tiempo lineal dando una narrativa, pues inusual pero que nos deja ver lo que quiero que nos enfoquemos.

La historia llega hasta el nacimiento de un bebe. El bebe entra al mundo por una "ventana" nadando por este liquido amniótico hasta que llega ver la luz. Probablemente este fue el primer corto de Brakhage que vi hace mucho y son esas imágenes que no puedes escapar. El nacimiento, el bebe, el agua, y la ventana son elementos que se quedan en ti.

Stan Brakhage: Glaze of Cathexis

Es la abstracción en movimiento. Algo que creo que le hubiese gustado mucho a Jackson Pollock. Cathexis es el proceso de invertir en la energía mental o emocional de un objeto, idea, o persona. No se si esta cathexis es un objeto, idea, o persona, pero si es claro que la energía que posee es enorme. Vemos mucho movimiento, colores, figuras, luces, y destellos. Te lleva a un lugar en tu mente, remites sueños cuando ves este corto.  

Stan Brakhage: Moth Light

Moth Light te atrae tal cual como una palomilla a una luz. Es visualmente lo que puede ver una palomilla en su vida. Luz blanca del sol, hojas, ramas, etc. Son texturas y colores que te llaman la atención. El propio filme tal cual es muy bonito. Las alas de una palomilla pegadas al filme, junto con las hojas, y ramitas de una planta parecen como un canvas orgánico.  

Lo que me gusta también es que no es narrativo. No cuenta una historia de una palomilla, sino que muestra objeto relacionados con los insectos. Se nota que hay paciencia, amor, y talento para hacer esto.