Proyecto Final 2 Sinestesia: Ambar

Linea de Tiempo: Jan Svankmajer

http://www.dipity.com/hluken

Cremaster 2: Matthew Barney

Cremaster 2 se representa como un gótico occidental que introduce el conflicto en el sistema. En el nivel biológico que corresponde a la fase de desarrollo del feto durante el cual la división sexual comienza. En la abstracción Matthew Barney de ese proceso, el sistema de partición resiste y trata de permanecer en el estado de equilibrio imaginado en Cremaster 1. Cremaster 2 incluirá este impulso regresivo a través de su narrativa bucle, pasando de 1977, el año de la ejecución de Gary Gilmore, de 1893, cuando Harry Houdini, quien pudo haber sido el abuelo de Gilmore, realizado en la Exposicion Mundial Colombian. La película se estructura en torno a tres temas relacionados entre sí el paisaje como testigo, la historia de Gilmore (interpretado por Barney), y la vida de las abejas - que metafóricamente describe el potencial de mover hacia atrás a fin de escapar de un destino. Gilmore parentesco Tanto a Houdini y su correlación con el macho de abejas estén establecidos en la sesion espiritual, de la escena concepción en el principio de la película, en la que se convoca el espíritu de Houdini y el padre de Gilmore expira después de la fertilización de su esposa. el sentido de su Gilmore condenados propio papel como zánganos se expresa en la secuencia que siguió en un estudio de grabación donde Dave Lombard, el baterista de Slayer, está tocando un solo con el sonido de un enjambre de abejas. Un hombre cubierto por las abejas con la voz de Steve Tucker, entonces vocalista de Morbid Angel, grita por el teléfono. En conjunto, estas cifras aluden a Johnny Cash, quien se dice que han llamado a Gilmore en la noche de su ejecución en respuesta a la condena de deseos de morir. 

Cremaster 1: Matthew Barney

Cremaster 1 es un musical organizado por Jonathan Bepler y actuó en el campo de juego de césped artificial azul del Estadio Bronco en Boise, Idaho - ciudad natal de Barney. Dos Goodyear flotar por encima de la arena como los dirigibles que a menudo transmiten eventos deportivos en vivo por televisión. Cuatro tripulantes de cabina tienden a cada dirigible. El único sonido es suave música ambiental, lo que sugiere el zumbido de los motores. En el centro de cada uno se sienta interior de la cabina vestido blanco de mesa, su parte superior decorada con una pieza central abstracta esculpida en vaselina y rodeada de racimos de uvas. En un dirigible de las uvas están verdes, en el otro, son de color púrpura. En ambas de estas tablas por lo demás idénticos reside Goodyear (interpretado por Martí Dominación). Que habitan en los dirigibles no rígidos al mismo tiempo, esta criatura se duplicó establece la narración en movimiento. Después de palanca de una abertura en el mantel por encima de su cabeza, le arranca las uvas de sus tallos y les empuja hacia abajo en su celda. Con estas uvas, Goodyear produce diagramas que dirigen los patrones coreográficos creados por un grupo de muchachas que bailan en el campo de abajo. La cámara avanza y retrocede entre los dibujos de Goodyear y vistas aéreas de las coristas en movimiento en la formación: sus diseños cambio de líneas paralelas a la figura de una barra , de un círculo grande con un esquema de división y multiplicación de las células, y desde una posición horizontal dividida emblema de campo (adorno de Barney firma) a una representación de un sistema diferenciado de reproducción (que marca las primeras seis semanas del desarrollo fetal).

Diamond Sea: Doug Aitken

Diamond Sea es un viaje fotográfico a través de Áreas Diamante, una zona de alta seguridad 70.000 kilómetros cuadrados a lo largo de la costa del desierto de Namibia. Esta área, con un contenido más rico del mundo mina de diamantes, ha sido aislada de acceso público desde 1907.Aitken luchado a través de los trámites burocráticos para obtener el permiso para filmar en las zonas de Diamante. Las fotografías Aitken revelar cómo los hechos a las empresas de propiedad de los hombre y el paisaje topográfico vasta extensión del desierto de Namibia están igualmente sujetos a la construcción narrativa. 

El trabajo de Aitken revela un entorno compuesto por dispositivos de máxima seguridad, helicópteros de patrulla, parpadea la infografía, los ondulantes dunas de arena, abandonado mansiones blanqueados por el sol, las zonas de tierra eviscerado y desnuda, y una banda de salvajes, caballos negro que se movía libremente por esta misterioso paisaje. La incorporación del sonido ambiente grabado por el Aitken durante la producción del video, grupos musicales tales como Aphex Twins, Gastr Del Sol, Nine Inch Nails y uzig han contribuido meditativa composiciones musicales para la banda sonora.

Decasia: Bill Morrison

Una película de una hora formado íntegramente por fragmentos de película de nitrato en descomposición. Una película hipnótica de la película se convierte en un viaje a través del ojo de las mentes como las piezas inconexas acaban unidos por la capacidad de la mente para imponer el orden. ¿Cuál es la película? Eso es para que usted descubra como caries infunde con las imágenes, surrealista y divertido el poder misterioso. La música es minimalista en el cristal de estilo de Felipe, que se suma a la trippiness. Al principio extraña y desconcertante la película te absorbe lentamente y sigue siendo fascinante ver hasta casi el final (imágenes de aviones y paracaídas salgan a la manera más allá del punto de aburrimiento). Una película increíble que le enviaremos a su mente en un viaje extraño para reconstruir lo que su todo. (De una sola pieza que he leído en la película declaró el cineasta le gusta hablar a las audiencias para ver lo que piensan acerca de su puesto que otros que la idea de la decadencia y el renacimiento que ha establecido ningún significado) Digno de una mirada especialmente en un cuarto oscuro sin distracciones

Dream Work: Peter Tscherkassky

Peter Tscherkassky es vanguardista cineasta austriaco que trabaja exclusivamente con materiales de archivo. Toda su obra se hace con la película y fuertemente editado en el cuarto oscuro, en lugar de confiar en las modalidades tecnológicas. Esta es la tercera película corta en su trilogía Cinemascope y es en muchos aspectos similares a la entrada anterior, el espacio. Una mujer que caminaba sobre una alfombra, se peina, un hombre entra, muecas caras superpuestas, una mujer que sonríe. En el punto Tscherkassky las manos de algunos parecen cortar la película en la impresora óptica. Un lienzo donde las imágenes monocromáticas con su sentido del equilibrio dañado y más allá de intento de reparación para volver a alinearse con sus otros yo. La comparación más cercana capturar el mismo sentido de desarticulada, el caos discordante se falla Kid606 artista con su cutups y toma de muestras, el ruido de Merzbow o la electrónica molienda hidráulica de James Plotkin Atomsmasher.

Adebar: Peter Kubelka

Adebar es el primero de 'métricas películas de Peter Kubelka, en que la composición es, precisamente, todos los elementos ordenados y en relación con la gestalt. La película se compone de una sola unidad 13, 26 y 52 marcos de tiempo que son sometidos a una regla compleja del sistema, incluido el uso estricto del espacio positivo y negativo, lo que determina su estructura dentro de la película.

By Night with Torch and Spear: Joseph Cornell

A través de la edición subversiva, Cornell tiene en silencio la era de metraje y a encontrado educativos de la siderurgia, los locales exoticos, y los insectos se vuelven en un mundo al revés.Las escenas se muestran a la inversa, el color teñido o en negativo. Los intertítulos, que al igual que las imágenes se insertan con frecuencia hacia atrás o al revés, son señales que dan poca dirección. Al igual que el camino buscado por los cazadores de la noche en el tiro de clausura, los significados de la película siendo difícil de alcanzar, más allá de nuestro alcance.

Hatsu Yume: Bill Viola

'Video handles light as water - it becomes fluid on the screen. I thought that water carries fish as light carries man. Land means death for the fish, darkness is death for man'. Así es como describe su Hatsu Yume. En la cultura japonesa Hatsu Yume es el primer sueño profético del Año Nuevo. Viola lo realizó mientras estaba en Japón durante dieciocho meses. A primera vista, esta cinta parece consistir en inyecciones de la naturaleza y la cultura japonesa todos los días. Pero el trabajo de Viola no es puramente documental que siempre intenta tener un conocimiento de lo universal en los procesos más y experiencias que ocurren detrás de la superficie visible de la existencia y la conciencia. De hecho Hatsu Yume trata con la vida, muerte, renacimiento y la creación a través de los temas del agua , pescado y la luz ,hombre.Las imágenes de una puesta de sol, los bosques de bambú, el mar, un mercado de pescado y barcos de pesca,etc.  A veces se muestra en cámara lenta al igual que el sonido del mar a principios de esta cinta ha sido distorsionado en un gruñido alienante. Hatsu Yume es un sueño arquetípico que puede vivir en todos y en algunos ocultos lugar profundo. 

Ancient of Days: Bill Viola

Ancient of Days es una serie de cánones y fugas para el vídeo, que comprende más sofisticados de Viola y metafórico exploraciones estructurales de tiempo. Notaciones matemáticas de la edición precisa de código de tiempo se aplicaron para la construcción de las ilustraciones de la simetría temporal, la dualidad y la transposición equivalentes basados en el tiempo de principios de composición musical como contrapunto y el serialismo. Asombroso intervenciones temporales una panorámica 180 grados mirando hacia abajo en una calle de Nueva York, que progresa desde el primer día a la noche, una imagen del Monte Rainier en el que el primer plano y de fondo se despliegan en diferentes planos de tiempo se despliegan como las transformaciones simbólicas de los paisajes naturales y urbanos .

The Reflecting Pool: Bill Viola

El mundo de Bill Viola se detiene. Esta es la primera impresión y nuestros ojos no están plenamente inmersos en lo que está sucediendo en la pantalla. Viola como protagonista de su propia obra de arte se desprende de una densa hoja en el bosque en un claro en el primer plano, que, para el observador, es llenado por un lago artificial o alberca. El borde inferior de la imagen está rodeada por agua, sólo el banco frente a la opuesta del bosque, rodeado de piedra natural y la hierba, sigue siendo visible. Como el ruido del motor de un avión poco a poco se desvanece en el fondo, Viola se acerca al borde de la piscina. Allí, él se quita sus zapatos y se agacha a gritar y se prepara para dar un salto de gran alcance. Sin embargo, inmediatamente después de él salta para arriba, en ese fragmento de segundo que debería haber precedido a una inmersión en el ruido "que refleja" la piscina, algo inesperado sucede. Su cuerpo se congela en el aire y hace una pausa en la posición fetal sobre la superficie del agua. A medida que la zumba cámara, el tiempo parece haberse detenido. 

Migration: Bill Viola

Migration es un análisis de una imagen, un ejercicio metafórico en la percepción y la representación, la ilusión y la realidad, el microcosmos y el macrocosmos, la naturaleza y la conciencia. Viola escribe que esta obra es "un continuo viaje lento a través de los cambios de escala, marcada por el sonido de un gong. La pieza se refiere a la naturaleza de los detalles de una imagen. En términos visuales, esto se conoce como" la agudeza y se relaciona con el número de fotorreceptores en una superficie determinada de la retina. En términos televisivos, detalle que se conoce como resolución, y es una medida del número de elementos de imagen en una determinada dirección horizontal o vertical de la imagen de vídeo . La realidad, a diferencia de la imagen en la retina o en el tubo de la televisión, es infinitamente resoluble "resolución" y "agudeza" son sólo las propiedades de las imágenes. La pieza se convierte en una exploración de las propiedades ópticas de una gota de agua, revelando en es una imagen de la persona y una sugerencia de la naturaleza transitoria del mundo que posee en su interior. 

Adjourd'Hui: Pipilotti Rist

Una mujer que camina en la gravedad cero, flotando en un espacio real y contemporáneo como un sonámbulo.En la cara del soñador despierto figuras humanas incrustadas tantos pensamientos proyectados desde otro mundo, una especie de paraíso mediados de infantil, medio erótica. 

Removed: Naomi Uman

En Removed, Naomi Uman borra físicamente el cuerpo femenino de 16 mm de edad porno con esmalte de uñas y removedor de cloro de uso doméstico. Este ataque magnífico de la belleza y el producto interno en los resultados de celuloide en una serie de dibujos animados en blanco 'agujeros' orgásmicamente retorciéndose en el lugar de las estrellas porno. Los hombres miradas lascivas son capturados en diferentes poses y la inadecuada pistas de diálogo originales permanecen, con intercambios mal doblada. El agujero en la película se convierte en una zona erótica, un blanco en la que un cuerpo se proyecta la fantasía. Este trabajo es inusualmente brillante precisión: es políticamente subversivo, la pornografía por derecho propio, atrevido y divertido en extremo.

Wonder Woman: Dara Birnbaum

Estallidos explosivos de fuego abierto, una deconstrucción de la ideología incendiarias incrustado en forma de la televisión y la iconografía cultural pop. Apropiándose de imágenes de la década de 1970 serie de televisión Wonder Woman, Birnbaum aislados y repite el momento de la verdadera "mujer simbólica transformación" en el super-héroe. Atrapado en su metamorfosis mágica por la tartamudez Birnbaum ediciones, la Mujer Maravilla gira vertiginosamente como una muñeca de caja de música. A través de la manipulación radical de esta mujer icono del Pop, ella subvierte su significado en el texto televisivo. Detener el flujo de imágenes a través de la fragmentación y la repetición, Birnbaum condensa la narración del cómic de Wonder Woman desvía las balas de sus pulseras, "recortes" en la garganta una sala de espejos destilando su esencia para que el subtexto a emerger. En una deconstrucción textual más, que se indican las palabras de la canción Wonder Woman in Disco Land en la pantalla. La canción de doble sentido revelar la fuente de empoderamiento sexual supone la supermujer: "Shake your Wonder maker". Escribir sobre el tartamudeo paso de progresión "de" momentos extendido de transformación de Wonder Woman, afirma Birnbaum, "La narración abreviada  correr, girar, salvar a un hombre  permite que el tema de fondo a la superficie: la transformación psicológica en comparación con producciones de televisión. 

Mayhem: Abigail Child

Mayhem,1987, con 20 minutos, algunas de las obras de un mismo territorio, pero añade trozos de cine negro de imágenes de su historia secreta de los crímenes inexplicables. Niño seduce al espectador con la cruda en blanco y negro imágenes, una vez más rápidamente se entrecorta con toda clase de extrañas imágenes de gente corriendo frenéticamente hacia arriba y abajo de las escaleras o la elaboración de un tejado. Japoneses-core porno duro de lo que parece ser la década de 1930 se suma a la diversión fragmentada, como un desnudo lesbianas cita es interrumpida por un hombre enmascarado. Es significativo que una simple fantasía sexual masculina se volcó en los diques vigor el enmascarado para hacer frente a ellos. Al parecer, inspirado en el dúo de la embriagadora marques de Sade y de Rusia formalista cineasta Dziga Vertov, Mayhem tiene un estilo de edición de escopeta que las lluvias sobre el espectador como si fueran confeti.

Perils: Abigail Child

El negro y blanco corto experimental, Perils,  todo es un esfuerzo típica, con la participación del espectador con una parodia del cine mudo vertiginoso que muestra a sus personajes en una variedad de poses y portentosa melodramas fragmentado. Yuxtaposiciones del niño en este trabajo realizado entre 1985 y 1987 son más caprichosos que preocupante, con las peleas de burlarse rápida de corte y los rituales misteriosos interrumpido brevemente por títulos simples, del tipo en el cine mudo . Su uso del sonido es tremendamente incluyente y un reto constante, incorporando todo, desde figuras piano fugitivo al drama-queen gritos de superposición y la adición de una capa de significado con placer desorientador.

Video Letter: Shuji Terayama y Shuntaro Tanikawa

Video Letter es una historia sobre un cambio, sobre un pasaje entre la identidad y la imagen, entre la pantalla (el título de vídeo en el título pone de relieve) y su biografía. Entre 1982 y 1983 Decidió Terayana Tanikawa e intercambiar algunas letras visual. Grabaron algunos videos privados en los que compiló imágenes personales, recuerdos, palabras, recortes de periódico, notas y pequeños cuadros (fotos Polaroid y fotos), ambos como emisor y el receptor a veces diferencial. No hay reglas en esta dramática ambio exc. Sus cartas de vídeo son parte de su vida cotidiana como los gestos cotidianos; de vídeo cartas tesis son extraídos de su conciencia, son fragmentos de imágenes y realidades que, una vez unidos, forman una pirámide cuya identidad o en el pico es fugaz, soberano de vídeo. La conclusión de este cambio coincide con la muerte de Terayana. Que a partir de entonces, comenzó Tanikawa corregir la edición de tesis o "letras". Él hizo algunos cambios en la banda sonora y cerró el círculo que se vio favorecido con el envío de los primeros video muy.

Corridor: Standish Lawder

A los 20 minutos, Corridor de 1970 es compleja película más larga y Lawder, teniendo comparación con otros estudios trippy de su época.  Herido de bala en negro y granulada blanco, la película cuenta con una serie de pistas inestable y zooms por un pasillo estrecho (habitado de forma intermitente por la aparición de un desnudo-hippie chick) que se basa en una serie vertiginosa de superposiciones y reimpresión, que a su vez se basa en el parpadeo campos blanco y negro, todos los la vez que interactúan con el compositor Terry Riley. Lawder ha llamado Corridor de una ocasión para la especulación meditativa que invoca un cambio en la actividad de ondas cerebrales... A través de la estimulación de la onda de las frecuencias de interfaz-alfa.

Necrology: Standish Lawder

Necrology de Standish es una película que parece ser una cosa, relativamente simple y directo, sólo se revela como algo completamente distinto en el momento en que normalmente se asume que la película fuera más. Se trata de un seguimiento prolongado derribado una escalera sin fin, supuestamente tomadas con un espejo montado encima de la escalera mecánica. La cinematografía es granulada en blanco y negro, de modo que a medida que las personas aparecen en la parte inferior del marco y mueva lentamente hacia la parte superior, se desintegran en la oscuridad, tragado por la oscuridad. Muchas de las personas son simplemente mirando al frente a la cámara o sin expresión en el espacio. Otros se dedican a la conversación, riendo, bostezando, leyendo periódicos, hurgarse la nariz, ajustando su pelo, jugueteando con tazas de café y otros accesorios. pares Lawder estas imágenes sin expresión con la música clásica de barrido, por lo que el efecto global es equilibrado en algún lugar entre lo mundano extrema y una clase de espiritualidad, como si se trata de una escalera principal entre los estados de existencia (hacia el Cielo? infierno?) o algo similar de cola. La impresión de que la gente en las gradas se están derritiendo en la oscuridad en la parte superior del marco sólo aumenta esta sensación de misterio, uno ve este desfile de personas, de las almas, y se pregunta qué esta imagen simple se supone representa, lo que significa , donde se lleva. 

Good Morning Mr.Orwell: Nam June Paik

En 1984, la novela que escribió en 1948, George Orwell ve la televisión del futuro como instrumento de control en manos de Big Brother en un estado totalitario. Justo en el comienzo del año orwelliano muy esperado, Paik estaba interesado en demostrar la capacidad de la televisión por satélite para servir a fines positivos, como el intercambio intercontinental de la cultura que incluye tanto la culta y elementos de entretenimiento. Una transmisión en vivo para compartir entre WNET TV en Nueva York y el Centro Pompidou de París y conectar con los organismos de radiodifusión en Alemania y Corea del Sur alcanzó una audiencia mundial de más de 10 o incluso (incluyendo las transmisiones de repetir más tarde) 25 millones de euros. La emisión prorrogados cinta de vídeo de Paik "uno de los primeros Mundial Grove de 1973 , el concepto pionero dirigido a la comprensión internacional a través del vehículo de la televisión - al ampliar el concepto con las posibilidades de transmisión por satélite en tiempo real. Aunque a veces abundantes problemas técnicos prestados los resultados impredecibles, Paik considerado que este no hizo sino aumentar el "vivo" el estado de ánimo. La mezcla de la corriente principal de televisión y las artes de vanguardia era un acto de equilibrio típico de Paik y se reunió con más recelo de los espectadores orientado última generación que la audiencia Paik denominado «el peiple jóvenes, medios de comunicación concebidos, que juegan 20 canales de Nueva York estaciones de televisión como teclas del piano. El artista personalmente invertido una gran suma en el proyecto para hacer realidad su visión. Al preguntársele qué le diría a San Pedro a las puertas del Reino de los Cielos, Paik inmediatamente respondió que este show en vivo fue su contribución directa a la supervivencia humana y él me dejó entrar. 

Merce By Merce: Nam June Paik

En Merce y Merce, Paik yShigeko Kubota crear una densa textura, collage transcultural que rinde homenaje a los artistas del mismo nombre de abordar la relación entre arte y vida. Paik y el arte Kubota enlace a los movimientos y gestos de lo cotidiano: "¿Es este baile?" lee el texto a través de una vista aérea de taxis circulando por las calles de Nueva York, y la imagen de los primeros pasos vacilantes de un bebé. Una inusual entrevista con Duchamp por Russell Connor es re-editado por Paik en una progresión rápida, tartamudean a paso. En una ingeniosa capas temporales que los términos Paik una "danza de tiempo", una entrevista con Cunningham, también de Connor, se intercalan y se superponen con la entrevista a principios de Duchamp: "El tiempo reversible - irreversible tiempo".

Global Groove: Nam June Paik

Esta es una visión de un paisaje de vídeo de mañana cuando se pueda cambiar en cualquier estación de televisión en la tierra y las guías de televisión será tan gordo como la guía telefónica de Manhattan.declaración introductoria Paik significa principio de composición de la cinta y el mensaje - canal global de zapping, en 1973, un precursor visionario de los acontecimientos posteriores. El espíritu de la cinta transmite la teoría de Marshall McLuhan de una futura «aldea global», que Paik emparejado con una idea de la suya: «Si pudiéramos elaborar un festival de televisión semanales compuesto de música y danza de todos los condados, y lo distribuyó gratis ronda de carga del mundo a través del mercado de vídeo común propuesto, tendría un efecto extraordinario en la educación y el entretenimiento. " Una típica mezcla de Paik, la cinta incluye extractos de programas de televisión, las contribuciones de amigos artistas como John Cage, Allen Ginsberg, Charlotte Moorman y Karlheinz Stockhausen, imágenes de artistas de video como Jud Yalkut y Robert Breer, y extractos de videos anteriores Paik. La combinación de los medios de comunicación de masas y de vanguardia, estaba dirigido a los amantes del arte y «normal» televidentes por igual. El video fue transmitido por WNET-TV el 30 de enero de 1974.

Propuesta Para Proyecto

Quiero hacer algo completamente audio-visual, entonces quiero explorar el tema del sinestesia. En donde lo que escuchas es lo que vez también. Va ser por medio de colores que me inspire para hacer algo de música o hago la música primero y después los colores. 

Ejercicio De Imagen

La imagen que escogi es La Muerte De Marat de David. David fue un pintor neo-clasico y casi todas sus pinturas son muy politicas. Esta pintura depicita la muerte de Marat mientras se bañaba. Marat tenia una condicion de piel que le daba una comezon muy violenta que la unica manera de aliviarse era estar constantemente en el baño. Un dia, mientras que escribia, tiene una visita que es Charlotte Corday y lo apuñala. La pintura se convierte en la pintura mas importante de la revolucion.

Esta pintura para mi es una obra maestra por la que representa y lo que llego a representar en su tiempo. Despues de ver esta pintura por uno minutos notas lo obvio dentro la escena, vemos a Marat muerto con una carta en mano, el cuchillo en el piso, esta enrollado en paños para refrescar su piel, y que esta firmado A Marta por David. Despues de un rato empiezas a nota la composicion un poco mas. Porque esta a la mitad del cuadro el sujeto y tenemos la otra mitad en negro y la luz que le pega a la oscuridad. Tambien la luz notas por donde entra, parece que hay una ventana atras que lo ilumina y vez la sombra en su cuerpo y su carta. Ya despues de mucho tiempo entiendes que esta imagen lo esta martirizando tal cual como un critiano. La luz es suave, no se ve muy violento, hasta sientes que acaba de dar su ultimo suspiro, y nunca soltara su pulma y carta. El estilo de David es idealizar la muerte de Marat tambien te das cuenta que no tiene su enfermeda de la piel. Si es tal cual un heroe de la revolucion.